VANTAGE POINT

“Pensamos en cine. Pensamos en imágenes. Cuando hacemos referencia a un sonido bien hecho, hablamos de un sonido técnicamente bueno o que fue bien elaborado para casar con una determinada imagen. También recordamos que cierta música traía una emoción especial para esta o aquella voz. Este estudio pretende hablar de un cine en el cual la banda sonora no está al servicio de la imagen o del habla, donde la relación del audio con lo visual es ambigua, densa y puede cambiar en cada película”ESPACIO FÍLMICO-SONORO EN ARTHUR OMAR (FRAGMENTOS), Guiomar Ramos,7 de junio de 2006.


En la película Vantage point, podemos ver una relación directa entre la trama y el sonido, donde muchas veces el ruido habla y expresa sentimientos de multitudes, sobre todo por la algarabía, bullicio y sensaciones de la colectividad


Es una historia narrada en un contexto público, una Cumbre política contra el terrorismo, en una plaza gigantesca repleta de personas. Entonces entendemos que el sonido que predomina es el sonido ambiente, que contextualiza el espacio y el tiempo de los sucesos que ocurren consecutivamente en el atentado. Lo podemos ejemplificar en la película, con el sonido de la multitud que asistía a la Cumbre, en el sonido de las autopistas que los personajes debieron atravesar corriendo y siendo atropellados por múltiples carros. Es decir, esto se refiere al sonido ambiente.

Intervienen además otros sonidos que contextualizar la tensión de la película en las explosiones, disparos, interferencia, entre otros, que ayudan a la verosimilitud de la película para que pueda ser creíble y vaya de la mano con el hemisferio visual. De nada sirve que se vea una buena explosión y el sonido no es consecuente o no responde a la magnitud de lo visual.

Por otro lado, la banda sonora se evidencia al principio de la película con sonidos fuertes, de acción y peligro, que en el desenlace se va aligerando y tornando en las mismas notas pero ya más suavizadas, con la imagen del helicóptero que
aleja en el cielo infinito, cuando la calma llenó luego del caos enloquecedor de los atentados.


Se recrea el pánico colectivo. Nos envuelven contándonos un solo hecho desde 8 perspectivas distintas, que nos despiertan diversas opiniones. Por ejemplo, cuando vemos los primeros juicios que se hacen sobre Enrique, el que estaba enamorado de Verónica, lo juzgamos como el francotirador. Sin embargo, a medida que la trama se desarrolla nos damos cuenta que es el guardaespaldas de turno el mayor traidor de la película.

Estas distintas versiones son ilustradas en lo visual con difuminados y rebobinado de las imágenes en flash back consecutivos al terminar cada versión. De esta forman conjugan el hemisferio del sonido y de lo visual. Además, utilizan el silencio para dividir adicionalmente los cambios de versiones, que manejan en cámara rápida.


“Toda la terminología cinematográfica se refiere a la orientación de la cámara, a la luz, a los efectos especiales de las imágenes. Al dividir la película, la referencia que se utiliza es siempre el campo de visión: Plano General, Plano Medio, Plano Americano, Primer Plano. El cambio del plano es determinado por el corte de las imágenes, aunque haya una continuidad del mismo sonido. La función del sonido dentro de la película es pensada a partir de la imagen, como dice Daniel Percheron en la revista citada encima: Es la posición del sonido en relación con la imagen lo que determinará si el sonido va a ser in u off”. ESPACIO FÍLMICO-SONORO EN ARTHUR OMAR (FRAGMENTOS),Guiomar Ramos,07 de junio de 2006.

El sonido es lo que conjugado con la imagen hacen creíbles la historia, son los elementos que logran asimilar lo que se está siendo observado y no debe ser desmeritado, porque son un elemento más del sentido del film.

Desde lo sonoro, a mi concepto domina lo trágico, puesto que son los sonidos de la guerra, de las bombas y disparos que nos dejan vivir tranquilos en ningún país, porque no se sabe en que momento y bajo malas decisiones nuestros dirigentes se enloquecen y acaban con el planeta. Sin embargo, a pesar de hacernos vivir el atentado, es sublime su sonido en cuando a la verosimilitud con la realidad lo cual hace que se cumpla su objetivo principal que es el de recrearnos la realidad de la filmación.

Buena película, envolvente y despierta la intriga por descubrir a los culpables, juega con elementos que nos hacen verla y concentrar toda nuestra atención en ella, hasta el punto que me despertó sed de venganza por Verónica y sus cómplices, sintiéndome feliz al final con la muerte de los terroristas.

AZUL

Azul, es una excelente pieza de cine eslavo, que trabaja historias íntimas. Sus recursos expresivos van a historias de vida, es decir, maneja la trama desde lo intimista.

Posee una trama desgarradora sobre la verdad, la mentira, la fidelidad y la lealtad, que nos termina por revelar el secreto de que en realidad la que componía no era otra que Juliet, a quien no le importaba la fama ni el dinero.

En general, los momentos tensionantes se definen por la expresividad de éste personaje, quien no duda en darle su casa al futuro hijo de su esposo, un acto de nobleza que no cualquier ser humano haría, en especial yo, y menos después de enterarme de tantos años de infidelidad. Aparte de que era Juliet la del talento, él le “montaba los cachos”. Azul, es una gran ironía de sentires.


Tiene una estética compleja, extremadamente psicologizante que maneja una combinación del sonido y el color. Tiene un tiempo y una estructura no lineal. Pensando en paralelo, es decir, muestra los diferentes personajes en la misma circunstancia, llegando a la convergencia de la trama desde lo que no parecía coherente o relacionarse.

Utiliza un pensamiento aparentemente inconexo, múltiple, que al final resuelve en el entendimiento de la lógica de la película.

Un elemento a resaltar es la conexión de la cadenita que encuentra el joven que presenció el accidente y el momento cuando la protagonista observa la misma en el cuello de la amante de su esposo. Eso nos da un significado emocional de lo que Patrice sentía por ella, pero son cosas que se van fortaleciendo al desarrollo del film, y es algo vital con que juega el director.

Azul, tiene un sonido de lujo que llega a ser perverso por su exquisitez, en este caso la categoría que dominaría a nivel sonoro sería lo sublime. Se apropia del sonido para contarnos la historia del compositor y las magníficas obras de su esposa, y además la utiliza como un recurso narrativo para mostrarnos los momentos de aflicción en que Juliet recordaba a su familia. De ese modo se consigue dar a entender al espectador los momentos de tensión del film.

Predomina la cámara en primer plano, los planos detalle, la perspectiva y el juego con lo opaco y las sombras. El tiempo narrativo es intenso en todo momento, se destacan las apariciones en la piscina, donde nos transmite aparente relajación y soledad a su vez.

La piscina puede llegar a significar la intimidad de Juliet, que cuando decide pedirle prestado el gato a su vecino, se abre al mundo que ella misma cerró, y es allí donde un grupo de niños se lanzan a esa piscina ahora radiante.


Ese simbolismo con el que Kieslowski utiliza sus apariciones en la piscina me parece lleno de significado emocional y psicológico desde el sentir de la protagonista y enriquece mucho la narración.
La fotografía de AZUL está evidentemente muy marcada, y tiene un gran predominio hacia los azules. El trabajo dramático que se realiza con la fotografía es vital en el relato audiovisual, que no termina dejando un final abierto.

En conclusión, me pareció un muy buen film, que me mostró concepciones diferentes del mundo, en el que mi cerebro debió maquinar todos los elementos que aparentemente no eran relevantes, para así mantenerme alerta al desarrollo narrativo, y a diferencia de Juliet que se va a dedicar a “no hacer nada”, creo que ver la trilogía de este gran director es un ejercicio grato y enriquecedor para mi formación y enriquecimiento intelectual, en otras palabras, me abrió los ojos a otra clase de cine.

EL VIAJE AL PARAISO

La adaptación de novelas literarias en rodajes fílmicos no siempre alcanza los mejores resultados. El trabajo de los directores es indispensable para que la producción final llegue a un punto que deje al espectador involucrado con la película. Este es le caso del director colombiano Simón Brand, quien basándose en la novela de Jorge Franco, hizo una película fiel a la obra literaria. La novela muestra la realidad de ser ilegal, representando en situaciones cotidianas lo que vive una pareja de adolescentes.

Los protagonistas de la novela, Reina y Marlon, dos jóvenes quienes emprenden una travesía cruzando por el hueco tienen que afrontar diferentes adversidades en un mundo totalmente desconocido y ajeno. Paraíso Travel, cuenta una historia colombiana de amor, enmarcada en la historia de Marlon, una persona que llega sin nada a un país desconocido y sufre un choque cultural tremendo.

Lo primero que impresiona en Paraíso travel es la resolución de sus imágenes, constantemente cambiantes, con matices de realidad que permiten un relato envolvente. Si bien hace varios años que el cine colombiano superó la etapa de las imperfecciones técnicas y las deficiencias por factores monetarios, esta nueva obra marca un punto de vista hacia el cine colombiano y vuelve absolutamente inaceptables en el futuro las falencias o debilidades en ese terreno cinematográfico.

En Paraíso Travel Simón Brand aplica la suficiencia de su saber profesional a trasladar y a poner en imágenes y sonidos las peripecias y el espíritu de la novela de Jorge Franco, propósito en el que obtiene logros que están más allá de cualquier discusión.

Los elementos utilizados son de alta calidad, pienso que el sonido de la película logra transportarnos a la realidad de las imágenes que muestra. Ambos conceptos son aplicados de manera eficiente en el relato haciéndonos viajar al igual que Reina en sea travesía, el matiz principal del sonido y de las imágenes de la película está enmarcado en lo real contado bruscamente de forma acelerada, dinámica y cambiante. Es un relato moderno que juega con nuestras emociones haciéndonos sentir la agitación de ser un ilegal.

Los méritos de la novela en cuanto relato con capacidad para capturar la atención del lector y mantenerlo enganchado se conservan en el filme.Paraíso Travel cuenta una nueva versión de lo que es el sueño americano, esta vez representado en el destino de dos jóvenes de Medellín, impulsados por la determinación de la joven de llegar a Nueva York y cambiar el panorama de lo que son sus vidas en Colombia, sueño que como se conoce, termina convertido en pesadilla en la mayoría de los casos.

En la película se puede destacar el manejo de los códigos sintácticos, se siente refleja un gusto con las posibilidades dramáticas de la novela y a escasos minutos de haberse iniciado la película, ya el espectador sabe perfectamente de qué se trata y cuál es núcleo de la acción, de modo que lo que sigue es narración.

La estructura narrativa de la película maneja continuos flash back para relatarnos los momentos vividos en Colombia por los protagonistas antes de aventurarse el sueño americano.

El manejo del tiempo hace que el desarrollo la historia sea contada de una manera dinámica y diferente a las historias convencionales, por eso es de resaltar la utilización de una estructura narrativa en dos tiempos, con el presente de Marlon en Nueva York y el regreso constante a la crónica de lo que fue el viaje como ilegales de Colombia a Texas.

La imagen es nítida, casi real, pero no lo es, puesto que lo relatado es ficción, es decir historias no necesariamente reales, pero con tildes de documental por los recursos expresivos que maneja da a la imagen una tonalidad real.

En el film se juega con recursos expresivos claros, de carácter estético para darle credibilidad, verosimilitud.

Por el contrario, un docudrama hace referencia a hechos reales puntualmente definidos. Utiliza imágenes de archivo reales y llena los vacíos de la historia a través de la estética.

En paraíso travel, cuando Marlon se dirige de New Jersey a Atlanta, ocurre una remembranza de su historia que es mostrada como un plano subjetivo en blanco y negro.

Sin embargo, a veces la verosimilitud de géneros nos confunde, puesto que estéticamente logra la emoción por el impacto con la historia de amor y la debilidad del hombre frente a la relación afectiva.

El final de la película es abierto, algo ilógico en el cine anglo y latino. La historia por tanto no se cierra y cada quien puede darle su final. Lo cual es permite que la estética llegue al clímax, dando pluralidad de lecturas, pudiendo así disfrutar de nuestros propios discursos, nuestro propio final.

EL ARTE DEL MAL GUSTO

¿Hasta qué punto puede considerarse arte? ¿Ha de condenarse por vulgar? La vulgaridad es un fenómeno social real, al igual que la perversión. Si arte es sólo aquello que produce una sensación agradable, podría condenarse. Pero, ¿qué es el arte? ¿No es una forma de expresión? ¿Acaso tenemos legitimidad para condenar nada, únicamente por una cuestión tan subjetiva como es el gusto? ¿En una sociedad democrática como la de hoy?

Considero que se ha de medir el arte en base a un parámetro diferente: el grado en que el autor consigue implicar al espectador. Si el objetivo es producir desagrado, e incluso vulgaridad, quien mejor sepa transmitirlo también puede producir arte.
No se puede condenar una producción sólo por el gusto, te parezca más o menos artística, porque la opinión está completamente sujeta a los fenómenos sociales actuales, y al estrato de la sociedad al que se pertenece.

El arte “kitsch” surge de la misma mezcla entre lo sofisticado del detalle y lo grotesco, lo cotidiano con lo desagradable. Lo que caracteriza este tipo de arte es su bajo costo.
Este nuevo movimiento artístico llega también al cine, podemos encontrar un ejemplo claro en muchas escenas de películas de Pedro Almodóvar. La búsqueda de producir desagrado, de forma brusca e incluso burda, sucia; pero sin dejar de relatar una situación real, más o menos verídica. Supongo que, en cierta manera, el “kitsch” logra traspasar la pantalla para transmitir los sentimientos más desagradables por medio de escenas antiestéticas.

En este marco analizaré lo Kitsch en los medios de comunicación, específicamente en el programa del canal Caracol, También Caerás en su sección “Timbre Aquí”.
El presentador recorre el país con una papayera, serpentinas y mucho ruido. Casi siempre visita barrios de estratos bajos. Los habitantes del sector desean que el animador timbre en su casa, para así poder acceder a beneficios económicos en el pago de tres recibos de su hogar, siempre y cuando respondan correctamente a tres preguntas sobre la programación del canal Caracol.
Mientras transcurre el concurso los acompañantes de la delegación de También Caerás, se burlan de los concursantes, les echan serpentinas y papalillos en la boca, se mofan de sus vestuarios y hasta de la casa en que habitan.

Sin embargo, a las personas participantes parece no importarles, puesto que aunque los ridiculicen ante todo el país, les pagan el recibo si responden bien, en otras palabras, es un acto grotesco de manipulación, en donde los participantes saben lo que deben aguantar y están dispuestos a hacerlos por dinero.
El anterior es un ejemplo muy claro de lo que está sucediendo con los programas televisivos donde lo ridículo es lo que más está vendiendo.
El arte Kitsch está presente en todas partes, en el tablero del bus saturado de peluche y la imagen del Divino Niño a un costado, en las baratijas hechas de plástico y bisutería metálica falsa o de fantasía, en escenografías y hasta en gastronomía.

Amalia López, docente de la materia de Historia del arte en la Universidad de Guadalajara define al Kitsch como “todo aquello que parece ser, pero no es”, “un arte anacrónico que fusiona elementos artísticos ya establecidos para darles una formación con recarga sentimental, cursi... un arte sucedáneo”, arte que ella incursiona a un contexto en dónde se cuestiona su valor como arte.
El Kitsch está presente en el ambiente; respiramos, vemos, creamos y “consumimos” Kitsch. Pues hasta las sopas instantáneas sin valor nutrimental están consideradas dentro de lo Kitsch si la sometemos a “todo aquello que parece ser, pero no es”.

El Kitsch sea arte o no, recae en la subjetividad... pero lo que sí podemos decir con seguridad, es que el Kitsch es parte de nosotros pues lo vemos (y comemos) hasta en la sopa.

ARTE VAGINAL

No hay arte más bonito en la naturaleza que el de la vagina. Las innumerables formas que adquieren los labios vaginales presentan un arte gráfico digno de mostrar.La vulva es la imagen más habitual en el arte prehistórico.

La vagina está dotada de "visión ciega". En el interior del útero, los fetos femeninos se masturban hasta alcanzar el orgasmo. Los hombres también tienen clítoris. La vagina está provista de un delicado ecosistema interno capaz de bloquear o impulsar el esperma. La nariz y los genitales guardan una estrecha relación, y sí: la nariz también tiene clítoris.

El orgasmo femenino surgió de la necesidad de coordinar el movimiento de los óvulos y el esperma en el interior de los genitales de la hembra. Es el centro del placer sexual femenino, el lugar de creación de la humanidad y el canal de su nacimiento. También es una poderosa fuente de excitación sexual. Sin embargo, sabemos menos cosas de la vagina que de cualquier otro órgano del cuerpo humano.

La vagina encierra una gran emoción estética en la belleza que la forma y lo sublime de su sentir. En el Museo visitado, vemos que el artista tiene una fijación con el genital femenino y con ciertos objetos como los tacones y las medias, lo cual aumenta la sensualidad de la exposición, generando sentires sexuales y de provocación.

Hernán Darío Correa en su obra sobre papel y lienzo resalta el desnudo femenino como un tema constante ligado profundamente con lo erótico. Utiliza elementos como la perspectiva y el cromatismo para dar más significado a sus bocetos, ocultando siempre el rostro de sus tres hermosas y heterogéneas modelos.

Resalto la obra de “La mujer levantando las piernas” por ser sumamente sensual, más no impactante, de igual forma es sublime, porque considero el placer de lo erótico es digno de el mayor goce del sentir humano.

En general, toda la exposición me produjo emoción, desde mi anatomía de mujer, el saber que en mi cuerpo poseo arte y que mi vagina produce sencaciones sublimes e inexplicables que logran cautivar hasta a otras mujeres.

No puedo decidirme por un sólo boceto de la exposición vista en el Museo de Artes Plásticas, debido a que la vagina conmueve todo mi sentir y elegir una sería desconocer lo bello de las demás obras.

Para mí fue muy enriquecedor poder experimentar emoción por mi propio cuerpo y entender que lo bello es a veces lo que se oculta para mostrarlo en plenitud en el momento indicado con quien queramos elegir para compartir nuestro arte vaginal.

EL BAÚL DE LAS MENTIRAS

La película el baúl rosado basa su trama en una investigación policial en los años 40, que surge con la llegada de un baúl dejado como encomienda en la Estación de Tren de Bogotá, con datos falsos.

Lo curioso es el extraño contenido del baúl, el caso de lo asignan al detective Mariano Corzo, quien encuentra muchas dificultades por el entrometimiento de la prensa amarillista, en especial de el periodista Hipólito Mosquera, quién día a día escribía crónicas acerca del caso, con información que compraba a un detective.

La investigación va revelando la existencia de relaciones corruptas entre la policía y la prensa que entorpecen el seguimiento del caso.

Corzo, en medio de confusiones y pistas sin rumbo, encuentra a Martina una viuda dueña de un café, que le ayudará a descifrar el caso y descubrir la corrupción que hay en la dirigencia de la policía.

Surge entonces una pugna entre el periódico y la Prefectura de Policía, los unos detrás de la chiva y los otros de la resolución del caso, que es la síntesis por la que se desarrolla la trama.
El caso es que todo el filme empieza muy bien. Enmarcado dentro del universo del cine negro mezclado con temas policíacos.

Se despliegan todos esos elementos conocidos del género: un detective con perfil de antihéroe, un crimen de por medio, policías corruptos, personajes oscuros, bajos fondos y atmósferas cargadas. También funciona eficazmente la maquinaria del relato y construcción de personajes mientras se desarrolla la intriga del curioso crimen por resolver, pues la trama sabe enlazar la misma investigación al detective, al policía corrupto y al periodista. Esto se convierte en un juego y en una carrera de ingenio que mantiene al espectador atento al desarrollo de la historia, a la confrontación entre los personajes y a la intriga del misterio sin resolver.

Pero el interés del relato se acaba a mitad de camino. Justo como le pasó al periodista de la película, que pudo sostener la atención mientras supo hacer bien los malabares con los elementos de la historia. Eso ocurre cuando aparece la confusa subtrama del ladrón de cadáveres, y cuando aparece otra más forzada y dispersa sobre la relación afectiva entre el detective y la dueña del bar.

Entonces la narración se carga de información mal atada y el periodista como antagonista pierde fuerza. Y cuando más o menos ya es hora de la resolución despacha casi gratuitamente a sus personajes en un tren, así como al espectador con una desconcertante afirmación sobre el secreto que servía de hilo conductor.

La propuesta visual es otra cosa, con la ambientación en el Bogotá de 1945 resultan más afines esas atmósferas propias del cine negro, incluida toda su vieja iconografía: gabardinas, trajes, sombreros, cigarrillos, etc. Jamás se ve un arma. Además, los espacios en que se desarrolla la historia refuerzan la atmósfera que trata de transmitir la película y consigue crear la ilusión de un ambiente y a partir de él complementar el sentido de la historia y sus personajes.

Igual ocurre con el manejo de la iluminación, el color y la textura de la película, que son estilizados y crean una propuesta estética muy definida, la cual por momentos logra buenas imágenes, pero en otros unos planos ininteligibles por falta de luz y al final la trama deja mucho que pensar, analizando lo que inicialmente prometía.

MURIÓ EN SU LEY

El ataque nocturno al campamento de las Farc, que dejó como saldo de 17 guerrilleros muertos entre ellos al jefe Raúl Reyes, es una noticia que ha conmovido a Colombia y que se sintió en todo el mundo. El asalto sucedió de noche mientras los 17 guerrilleros al parecer dormían. También suscitó la indignación en el vecino Ecuador por haber vulnerado su espacio territorial.

La única versión que los Grandes Medios pudieron dar al principio provenía del Ministro de Defensa colombiano, quien provocó una reacción molesta en el periodismo independiente, al haberse negado a contestar cualquier pregunta, después de haber dado el parte de victoria.

La muerte de Reyes es otro duro golpe que el ejército colombiano le propina a las FARC y se suma a otros que han venido minando sus filas y su fortaleza. Da la sensación de que Uribe por fin estuviera cumpliendo el mandato que recibió de un electorado harto de la burla que dicha guerrilla le hizo al Estado colombiano hace años.

Todavía está fresca en la memoria de muchos, el gesto simbólico del máximo jefe Marulanda quien no se presentó a la ceremonia de inicio de las conversaciones, actitud grotesca, pues no es justo que se burlen los intentos de alcanzar la paz, a eso se suma la forma como se negaron, por meses, a negociar con el ex presidente Pastrana un ansiado acuerdo de paz que la mayoría deseaba y que se frustró por la actitud intransigente de las FARC.Ahora la gente en Colombia aplaude cada uno de estos golpes y la muerte de guerrilleros que al fin y al cabo no son otra cosa que compatriotas que empuñan las armas pero que muy posiblemente también quieren vivir en paz y no atinan con sus actitud violenta a darse cuenta que la sangre llama la sangre y que las armas solo dejan muertos por doquier.

Pero la guerra es la guerra por más que el actual gobierno se empeñe en negarla y reducirla a un conflicto. Muy trágico esto. Como también lo es la muerte del soldado colombiano que cayó en el ataque fronterizo, además muy dramático.

Las agencias de prensa se movilizan y los deseos de la gente por saber más detalles. Y es allí cuando las ventas de periódicos aumentan y los hits de visitas en las páginas Web de los medios noticiosos se multiplican. Eso engorda las arcas de algunos mientras se empobrece una visión más humana de la tragedia y se distorsiona el verdadero debate político que debiera darse en la esfera pública.

Es por eso que me pareció muy triste también, y me defraudó desde el punto de vista de la ética periodística, ver la actuación y la actitud de periódico El Tiempo quien de manera grotesca y casi pornográfica corrió a publicar en el cabezote de su versión digital una impresionante imagen del acribillado guerrillero Reyes. No contentos con eso incluyeron como “especial” una galería de fotos con diversas “poses” de su cadáver. Y para salvaguardarse de manera hipócrita de toda responsabilidad advierten al lector sobre el contenido: “Material explícito, puede herir su sensibilidad”.

En todo caso a mí me parece un acto reprobable y que lesiona, de alguna manera, el tejido social, lo califico de grotesco en todo el sentido de la categoría estética.